ILLUSIVE PLACES II: THOMAS CHAPMAN, ALEJANDRO GARMENDIA, LOUIS JACQUOT, LUCY MULLICAN, MILKO PAVLOV

Villa Magdalena se complace en anunciar Illusive Places II, la continuación de la exposición colectiva comisariada por Cy Schnabel en Pace Gallery Seoul, en la que participaron Thomas Chapman, Alejandro Garmendia, Louis Jacquot, Lucy Mullican y Milko Pavlov. Esta muestra explora una selección de perspectivas atmosféricas en la pintura que abordan interpretaciones distorsionadas de escenas al aire libre. 

 

Illusive Places II: Thomas Chapman, Alejandro Garmendia, Louis Jacquot, Lucy Mullican, Milko Pavlov reúne obras de artistas que, de un modo u otro, comparten un interés común en reinventar la pintura de paisaje. Estos cinco artistas emplean el paisaje como punto de partida para desarrollar enfoques matizados sobre el tema, la forma y el contenido.

 

A lo largo de esta exposición, los escenarios naturales se convierten en reinos imaginarios que sugieren nuevas perspectivas del entorno físico y de la existencia en general. La abstracción espacial en las obras expuestas da paso a composiciones inestables cargadas de deseo, fantasía y, en ocasiones, soledad. Las diversas visiones psicológicas evocan sus propias resonancias y se conectan a través del interés de cada artista por plasmar una irrealidad particular en su obra. Utopías, pesadillas, alucinaciones y recuerdos fragmentados se materializan en estos lugares ilusorios.

 

Thomas Chapman

Tras experimentar con lienzos de formas inusuales durante más de 20 años, Thomas Chapman (1975, San Diego, California) ha vuelto a la pintura figurativa, desarrollando un estilo influenciado por sus dibujos de la vida cotidiana. La obra expuesta en Illusive Places II es un estudio voyeurista de momentos de ocio. Las imágenes superpuestas crean una densa neblina atmosférica que apenas deja percibir a las figuras que habitan esta escena imaginada. A lo largo de su trayectoria, Chapman ha utilizado telas encontradas, collage, tipografías robadas, rotuladores, pintura, marcas de lápiz, pegamento, y otros elementos que dan forma a las superficies de sus obras.  Las formas poco ortodoxas de algunos de los primeros lienzos de Chapman se inspiran en diversos temas: astronomía, mitología e historia antigua. Con un enfoque poco convencional, Chapman utiliza soportes y múltiples capas de información visual, a veces contradictorias, como características comunes de su variada práctica artística.

 

Alejandro Garmendia

Alejandro Garmendia (San Sebastián, 1959 - 2017) poseía una actitud subversiva y un acercamiento ingenioso a la estructura estética y los aspectos formales del paisaje y la arquitectura. Los dirigió hacia un punto de partida donde una plétora de imágenes se manifesta en una variedad de formas, documentando lo inexistente y creando así lo físicamente imposible. Los objetos fantasmagóricos alteran su configuración, transformando lo que miramos en un mundo donde la escala y el plano se entremezclan hasta el punto en que la gravedad desaparece. Son escenas que no necesariamente se limitan a un estilo particular; sugieren realmente una distanciada visión metafísica de un personaje emocional, lleno de soledad y melancolía, que nos brinda una nueva irrealidad pintada.

 

Louis Jacquot

La práctica de Louis Jacquot (1994, París, Francia) gira en torno a las relaciones entre objetos e imágenes. Sus pinturas escultóricas combinan gestos minimalistas con elementos iconográficos. Bajo su mano, el tema íntimo trasciende la imagen para abarcar todo el lienzo. Tanto el material -ropa de cama- como la forma de los lienzos -similar a la de un cuaderno de bolsillo- aluden al contacto directo con el cuerpo. En el pasado, durante su licenciatura en la École des Beaux-Arts de París, el artista trabajaba en un espacio más parecido al taller de un carpintero que al estudio de un pintor. Evitaba sus «propias» marcas gráficas en favor de objetos prácticamente desprovistos de cualquier elemento personal. En los pocos casos en que se aplican pigmentos, Jacquot elige imágenes que podrían pertenecer a cualquiera. Sus obras anteriores mostraban un vocabulario impersonal de símbolos genéricos encontrados en la calle, convirtiendo cualquier emblema universal en un objeto de interés para él.

 

Lucy Mullican

Las pinturas de Lucy Mullican (1994, Nueva York) utilizan la línea del horizonte como recurso compositivo, creando una tensión entre la gravedad y el espíritu humano, el cual, en contraste con la primera, se encuentra siempre en estado de ascensión. Sus obras pueden verse como mapas de mundos etéreos, que en esencia son autorretratos. La artista ha experimentado una transformación espiritual que se hace evidente en su abandono de la pintura de cascadas, islas y ríos en favor de una consideración más contemplativa e introspectiva de la mente y los órganos. Los ambientes exteriores se entrelazan con formas corporales, creando paisajes antropomórficos. Sus delicadas pinturas sobre madera están compuestas de múltiples capas de pigmentos minerales y líneas pulsantes, que crean superficies translúcidas. Lo que la artista denomina «bolsillos» o «agujeros» dentro de sus composiciones actúan como portales que permiten al espectador viajar de un cuadro a otro. La combinación de pigmentos naturales y la madera como soporte evidencian la habilidad innata de Mullican para comprender su medio y emplear la fluidez técnica. Su aguda percepción va más allá de la superficie, revelando lo invisible y acercándonos a lo que solo podemos sentir. 

 

Milko Pavlov

Las pinturas de Milko Pavlov (Aytos, Bulgaria, 1956) representan un mundo natural imaginario en el que las formaciones rocosas, los árboles, el agua y otras materias orgánicas se vuelven irreconocibles. La mezcla de representación naturalista y abstracción en su obra genera una vasta escala visual, una forma en constante transformación de observar el paisaje. En la obra de Pavlov, la forma, la superficie y la composición se desarrollan en respuesta a la propia pintura como tema. Sus obras de frottage en blanco y negro -técnica que ha trasladado al lienzo- son una continuación de la obra gráfica que realizaba en Bulgaria a principios de la década de los 90. La colorida paleta del artista deriva de su temprana exposición a los pintores iconográficos búlgaros de los siglos XVIII y XIX, que desvió su atención hacia el arte religioso en lugar de asimilar las ideas formales relacionadas con la estética del realismo socialista dominante en la Bulgaria de los años 70. La forma en que el artista organiza el espacio en sus composiciones recuerda vagamente a montañas o paisajes, un gesto subconsciente que quizás haga eco de la geografía de su país natal.